Cultura y Diseño 2 (cuaderno) : MODERNISMO

Es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque. En distintos países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau –en Bélgica y Francia–, Jugendstil –en Alemania y países nórdicos–, Sezession –en Austria–, Modern Style –en los países anglosajones–, Nieuwe Kunst –en Países Bajos– y Liberty o Floreale –en Italia–.

Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo xix.

Modernismo en las artes gráficas

El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas, tanto en la ilustración de libros y revistas (incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los ex-libris) como en el cartelismo (carteles, pósters o affiches publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de imprenta.

Cartel publicitario para Le chat noir, de Théophile Alexandre Steinlen, 1896.

Pintura

En contraposición tanto al academicismo como al impresionismo, se abandonan los temas cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales (un movimiento simultáneo, postimpresionista, se denomina simbolismo), entre los que destaca la mujer, con un tratamiento erótico que llega hasta la perversión (un movimiento simultáneo, muy relacionado, se denomina decadentismo -Félicien Rops, Gustave Moreau, Odilon Redon-).

Odilon redon

Nació en Burdeos , Aquitania , en una familia próspera. El joven Bertrand-Jean Redon adquirió el apodo de "Odilon" de su madre, Odile. Redon empezó a dibujar como un niño; y, a la edad de diez años, fue galardonado con un premio de dibujo en la escuela. Comenzó el estudio formal de dibujo a los quince años; pero, ante la insistencia de su padre, él cambió a la arquitectura. La no superación de las pruebas de acceso a París ' École des Beaux-Arts terminó planes para una carrera como arquitecto, aunque estudió brevemente pintar allí bajo Jean-Léon Gérôme en 1864. (Su hermano menor Gaston Redon se convertiría en un arquitecto conocido. )
La Obra de Odilon Redon se inicia en curiosa oposición a la corriente impresionista dominante en su época. Mientras los impresionistas experimentan con el color, Redon trabaja en una extraordinaria serie de dibujos y litografías que él mismo llamaría "Los Negros".

"Toda mi originalidad consiste en dar vida, de una manera humana, a seres inverosímiles y hacerlos vivir según las leyes de lo verosímil, poniendo, dentro de lo posible, la lógica de lo visible al servicio de lo invisible."
Así, Redon da rienda suelta a su fantasía, entremezclando mitos paganos con materialismo científico, animales imaginarios con maquinaria de la Revolución industrial. En su iconografía poética de lo corriente derivado en extravagante y místico se halla la clave tanto del entusiasmo suscitado por su trabajo en contemporáneos como los Nabis como de su futura consideración como precursor del surrealismo.

Flor Nubes , 1903 ( El Instituto de Arte de Chicago )

Flowers, 1909

Butterflies, around 1910 (Museum of Modern Art)

Caliban, 1881 (Musée d'Orsay)

The Trees, c. 1890's (Museum of Fine Arts, Houston)

Gustav Klimt

(Baumgarten, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en dorados y elementos ornamentales de vivos colores, aunque también con formas fálicas encubiertas que indican el carácter de los dibujos en que se inspiraban. En la primera versión de Judith, por ejemplo, aunque también en El beso y, sobre todo, en la Dánae de 1907 aparecen elementos abstractos de un carácter sexual inconfundible. Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino, aunque sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante que podría identificarse con el modelo icónico de la femme fatale.

Avenida en Schloss Kammer Park, 1912. Belvedere, Viena.

El beso, 1907–1908. Cuadro más conocido del pintor. Óleo/lienzo. Österreichische Galerie Belvedere.

Escultura

La escultura modernista o art nouveau tuvo como tema central la figura femenina en distintas actitudes.

Más allá de la sucesión cronológica entre art nouveau y art decó (antes y después de 1920) no hay una nítida separación estilística entre los desarrollos escultóricos identificables con ambas etiquetas. En ambos se utilizaron una gran variedad de materiales: el mármol para los monumentos de envergadura y el bronce, el marfil, los metales preciosos (muy a menudo la combinación crisoelefantina de marfil y oro), la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño tamaño, muy relacionadas con la orfebrería.

La diosa, de Clarà (1909). Josep Clarà i Ayats, que se encuentra en el vestíbulo de la Casa de la Ciudad de Barcelona y una copia en la plaza Cataluña de la misma ciudad.

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Fuente de la doncella, de Llimona (1925-1931). Fue donada por la Colectividad Catalana residente en la Argentina a la Ciudad de Buenos Aires, a comienzos del siglo XX, con motivo de una fiesta ofrecida por dicha comunidad a la visita a la Argentina de su autor, el artista barcelonés Josep Llimona i Bruguera.

Auguste Rodin

Foto de Rodin con boina, mira en la distancia.

François-Auguste-René Rodin (12 noviembre 1840 hasta 17 noviembre 1917), conocido como Auguste Rodin ( / oʊ ɡ ú s t r oʊ D æ n / OH- goost roh- dan ; francés: [oɡyst ʁɔdɛ] ), fue un francés escultor . Aunque Rodin es generalmente considerado el progenitor de la escultura moderna, él no se propuso a rebelarse contra el pasado. Fue educado tradicionalmente, tomó un enfoque de artesano al igual que a su trabajo, y el reconocimiento académico, desea a pesar de que nunca fue aceptada en todo la escuela de arte de París.

Escultóricamente, Rodin poseía una capacidad única de modelar una turbulenta superficie compleja, profundamente embolsado en arcilla . Muchas de sus esculturas más notables fueron criticados duramente durante su vida. Se enfrentaron con la tradición figura escultura predominante, en el que trabaja fuera decorativo, fórmulas, o altamente temática. Trabajo más original de Rodin apartado de temas tradicionales de la mitología y la alegoría , modela el cuerpo humano con el realismo, y celebró el carácter individual y la fisicalidad. Rodin fue sensible a la controversia en torno a su trabajo, pero se negó a cambiar su estilo. Los sucesivos trabajos llevados cada vez más positivo del gobierno y la comunidad artística.